La migración: el centro de la obra que celebra los 16 años de La Maldita Vanidad Teatro

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Para los amantes del teatro, yo creo que este podcast les va a gustar mucho porque tiene que ver con una obra que yo acabo de ver, me dejó muy impresionada y que se va a estrenar precisamente desde el 22 de octubre en el nuevo Teatro de la Maldita Vanidad en Bogotá, que cumple además... 16 años de existencia. Impresionante.

17. Perdón, 10. Casi somos mayores de edad. Casi, ya casi.

Yo porque pensaba que era 16. No, esto es increíble. Bueno, la obra es... Tiene que ver con lo que está pasando con esta cantidad de gente que se ha querido ir del sur al norte, mirando hacia arriba a los Estados Unidos y que ha terminado siendo víctima de la política contra la migración, que en este momento se está implantando no solamente en Estados Unidos, sino también en otros países del orbe. tiene que ver con cuatro hombres que vienen de Colombia, Cuba, Haití y México. Ellos se encuentran en una celda de retención migratoria. Allí han llegado capturados desde diferentes territorios. Un espacio de tránsito, como suele suceder en esos lugares inhóspitos, pues se presta para que se suspendan sus vidas y se hace una espera insostenible donde la humanidad está siendo puesta a prueba y donde la resistencia de los más fuertes gana. La migración masculina, porque eso tiene que ver mucho con la migración masculina, fueron los primeros y han sido los primeros en entrar en ese mundo, en esos huecos negros, no es verdad, esperando atraer después a la familia. es tradicionalmente la que está asociada al papel del proveedor económico y son hombres que viajan solos para buscar trabajo fuera de sus fronteras, modificando dinámicas sociales y familiares, donde buscan mantener un hogar sin su presencia, tal vez alimentando su espíritu con un simple video, una simple llamada, que en la obra es realmente un momento muy tedioso. Esta obra está escrita por uno de los invitados, aquí. Además que es el director de La Maldita Vanidad, que cumple 17 años. Jorge Hugo Marín, bienvenido aquí.

Qué alegría estar acá y un placer.

Finalmente. Sí, sí, sí,

agradezco mucho este espacio.

No, pues yo muy complacido de tenerlo y también estamos con uno de los actores de esta obra que tiene un nombre que usted me va a explicar, ¿no es verdad? Porque... Antes de presentar aquí a nuestro actor principal, pero dice aquí, es la obra, a ver si yo la presento bien y la pronuncio bien, que es lo que es más importante. Sinédoque. Es una figura

retórica, es un término que se utiliza en la literatura y en las artes, que significa la parte por el todo. Así como la metáfora existe, así como la hipérbole existe, así como... En este caso, esta entrega se llama Sin Éctoque. Es un nombre extraño. Es muy raro porque de los títulos de mis obras nadie se acuerda, solo el nombre de la compañía. Es

correcto, es correcto. Confirmo. ¿Y tú eres la...? Sí, yo soy Dan

Harry. Soy actor de la obra de la maldita vanidad Sin Éctoque, La parte por el todo.

Eso sí, la parte... Tú eres uno de los cuatro, ¿no es verdad?

Sí, yo...

Vamos a decir que... No, no, voy a hacer el spoiler, sí. Él es uno de los cuatro, que además hace un papel muy impresionante, ¿no es verdad?

Muchas

gracias. Sí, sí,

sí. Sí, sí,

sí. No hace de colombiano, para que vean. No,

no hago de colombiano ni de caleño. Hace

de haitiano, que eso es una cosa muy impresionante. Además, habla creolito, francés y todo. ¿Aprendió o qué?

Sí, sí, sí, sí. Pues imagínate que aquí rapidísimo, yo cuando decidimos con Jorge que el personaje fuera de Haití, entonces yo empecé a escribirle como a la embajada, pues el trabajo que uno hace como actor de Haití y buscar en videos y tal, Y la información que encontraba por supuesto que era valiosa, pero yo sentía que me faltaba como el tú a tú. Entonces empecé a escribirle a mis amigos, ¿quién conoce a una persona de Haití? ¿Quién conoce a una persona de Haití? De

verdad.

Cuando una amiga me dijo, tengo un amigo que está en Estados Unidos, que habla español, inglés, Haití, creol y francés. me puse en contacto con él, y claro, ya empiezo a hablar con Wendley Loriston, que le agradezco a Wendley de verdad todo lo que me ha ayudado con este personaje, y entonces él me da toda la cosmovisión de lo que significa ser un haitiano en Estados Unidos, ¿no? Todo lo que pasa... Eso es muy dramático. Exacto, todo lo que significa de verdad ser haitiano y vivir en Estados Unidos, que él está en Estados Unidos en este momento, y cómo es habitar este país y habitar su cultura dentro de otro país que es completamente distinto, ¿no?

Bueno, y además es que es difícil vivir en Haití también. Sí, exacto.

Por eso la gente se va, además.

Pero es increíble, usted habla creol, casi que uno dice, pasa perfectamente por haitiano. ¿Por qué un haitiano? Porque hay cuatro personajes, uno es colombiano, el otro es haitiano, el otro es mexicano.

Y cubano.

Y el otro es cubano.

Pues, para reforzar el título, tiene que ver con eso. Son cuatro personas que están un poco... haciendo la parte por el todo de lo que sucede en un continente son cuatro migrantes que por diferentes circunstancias están en un limbo migratorio donde estos personajes se encuentran y más allá de un contexto político o cultural es ver la humanidad de estos cuatro sujetos expuesta de una manera muy frágil y de una deshumanización muy contundente que como tú lo dices no solo pasa en nuestro continente sino que en este momento lo estamos viendo en muchos territorios del mundo Creo que la obra, más allá de una ideología o de hablar de una doctrina o de un modo, una conducta, lo que busca es ver estos personajes a través de esas historias como la solidaridad. y la empatía entre ellos logra surgir, y creo que también en medio de un contexto tan cruel y tan crudo aparece la esperanza, y me parece que en estos momentos eso nos ayuda mucho, aunque la obra habla de una tragedia realmente que están viviendo ellos, tiene colores que los permite de repente salir de esa oscuridad en la que están metidos.

Tú hiciste una investigación también para hacer esta obra de teatro que cuestiona esa complejidad que es la migración y las políticas que en este momento se están imponiendo en el mundo. Así es. ¿Cómo empezaste y por qué te metiste en esta obra? Comenzó

porque un amigo que trabaja para Cruz Roja nos dijo que estaban interesados. Tuvimos una conversación en el teatro sobre el tema de la migración. Y me quedó sonando mucho que casi todo lo hablaban desde la familia o el vínculo de la mujer. Y dije, bueno, pero ¿cómo sucede esto con los hombres? En otros montajes, yo también he trabajado, por ejemplo, hicimos un montaje hace varios años que llamaba Esta cabeza mía que no se puede callar, que era sobre el abuso sexual de hombres campesinos en el conflicto colombiano. Y fue una obra que rodó mucho, pero que tuvo un impacto muy fuerte por ver eso, que aunque lo sabemos, no se habla. Hay muchos fenómenos que en la masculinidad se callan. Y uno es la migración. Entré a ver unos unos unos documentos que hace la UNAM en México, la universidad, investigaciones sobre exactamente la migración masculina y cómo el fenómeno está atravesado por primero por el proveedor de la casa, pero también los traumas que generan la migración en estos hombres solitarios que no tienen la posibilidad de socializar lo que le sucede y que de alguna manera para dar un bienestar a su familia en los territorios donde están, Pues le hablan, no hablan en negativo lo que están sufriendo, sino al contrario, pues el dinero que pueden enviar, pero también la sensación de mantener a sus familias anímicamente bien, diciéndoles todo está bien, aquí estoy trabajando, lo estoy logrando, pero que en la realidad lo que tienen que vivir y sufrir. Es muy fuerte y en la obra se expande el fenómeno porque no estamos hablando de personas que estén no legales, sino que estamos hablando de personas que cumplen con unos requisitos que están en un purgatorio. Es correcto. Entonces se vuelve el fenómeno mucho más amplio y mucho más complejo. Pero también había la necesidad en medio de esto de que en ese vínculo de los cuatro hombres que están allí, pues aparecieran también sus necesidades familiares, de familia, de hijo, sus culturas, su humor, porque también había y su grado de esperanza. Y la obra al final logra dar un mensaje de de esta vamos a salir y vamos a poder estar bien y vamos a hacer lo que sea necesario para lograrlo. Entonces creo que es un mensaje que entra y cala muy bien en el espectador. Y es muy nueva la obra, pero creo que para quienes quieran venir ahora a esta temporada en la casa de la maldita vanía, en la nueva casa de la maldita vanía, van a encontrar primero cuatro actores, cuatro señores actores.

Sí, no, y Dan Harry es, yo no lo conocía, realmente es muy impresionante la interpretación que hace de este personaje. haitiano perdido en este purgatorio en Nueva York. Me imagino que es en Estados Unidos. Y

la investigación de la que he hablado no solamente fue con el tema, sino que después los llamé a ellos y les dije yo tengo un tema. pero quiero primero construir con ustedes unos personajes en los cuales ustedes propongan qué tipo de personajes son. Hicimos un laboratorio de dos semanas donde no se montó la obra porque no había obra, sino construir personajes. Y después de esas improvisaciones que tuvimos en ese tiempo, yo ya me fui solo a construir una partitura, una estructura, una dramaturgia. Y después los volví a llamar y les dije, bueno, ya creo que tengo obra, ahora montemos. Y ahí fueron cinco o seis semanas. No, fueron dos meses. Y usted llamó a Dan

Barry porque lo conocía

antes. No. De hecho, con los cuatro actores he trabajado con dos. Con los otros dos eran nuevos. Y parte de lo que hacemos en La Malita es un colectivo muy grande, pero en cada montaje siempre llegan artistas nuevos que nos alimentan, que nos nutren del imaginario, que permiten otras maneras de entender la

escena. Y Dan Harry, ¿usted dónde estudió?

Yo soy de Cali, yo estudié en la Universidad del Valle. Soy egresado de la Universidad del Valle, el programa de arte dramático. Sí, sí, sí, allá estudié, pero hago teatro, hice teatro comunitario. Desde muy chiqui. ¿Allá en Cali? Sí, también, con el Teatro Esquina Latina. Empecé a hacer teatro como a los 11, 12 años. Y ahí ya me encarreté con esta vaina, me vine a vivir a Bogotá y acá estoy. Y no me sacan,

aquí no me sacan a fondo. Y se vino a vivir a Bogotá, ¿y cómo fue eso? Porque, a ver.

Pues imagínate que yo soy del distrito de Agua Blanca, crecí en el distrito de Agua Blanca. Entonces digamos que las dinámicas en el distrito son muy específicas, para los jóvenes son muy específicas. Yo entro a estudiar en la universidad con mucho esfuerzo de mis vecinos, de verdad, o sea, como a ellos les debo, de verdad, haciendo coleta para comprar el pin, porque ni siquiera teníamos 80 mil pesos, ni siquiera los vecinos divinos. compro ese pin, entro a la universidad y ya, pues, ahí ya le pongo la ficha y estudio becado toda la carrera. Pero cuando me graduo, me gano un casting para una novela y ahí me vengo a vivir a Bogotá, a los 15 días. Ahí el sueño. Me vine a vivir y ahí ya empecé a hacer teatro y yo le contaba a Jorge, yo le decía, yo vi una obra de ellos en Cali que se llama Casandra, con él la vez era que me pareció maravillosa y yo, ay, yo quiero trabajar con él en algún momento. Y desde ahí yo... Madre, que se ve, que se ve, hasta que ya se dio. ¿Y cómo se dio? No, pues Jorge me llamó, sí, me llamó. Sí, nos habíamos saludado simplemente. Sí, nos habíamos hablado, nos habíamos saludado, como me llamó y me dijo, hay esto, es un laboratorio, es esto, esto. Yo, bueno, sí, obvio, de uno yo voy. Y me encantó

estar

aquí. Increíble. Otra de las cosas que evidentemente evoca esta obra es... una realidad en el mundo, y es que hay cosas que están cambiando y que hay escenarios difíciles para la humanidad, como ese purgatorio, ese purgatorio lo que representa, no les vamos a contar la obra, pero realmente este escenario en que se crea este diálogo entre estos cuatro migrantes, que todos parecen legales, menos usted, no sabemos. No me la hagas spoiler. Pero digamos, el problema no es que no tengan la posibilidad de entrar, sino la manera como los ven. Entonces, me parece importante esa reflexión que propone la obra. Es una mirada a fondo sobre lo que sucede en el corazón de los migrantes, de la gente que hoy está tratando de salir de su país porque no tiene oportunidad de irse al norte. o a donde sea, y en el norte lo desplazan porque les parece que no están a la altura de las circunstancias en ese país, y los desechan. Esa mirada en el teatro es difícil de lograr. ¿Usted le costó trabajo montar esta obra? Mi

socia me dijo, cuando vi el primer ensayo general, me dijo que es una obra que parece para tiempos de guerra. Y fue muy complejo entender eso porque cuando uno estudia teatro, a uno le muestran obras de Beck, a uno le muestran Bertolt Brecht, a uno le muestran Shakespeare también. Sí, que hacen parte de momentos históricos de la humanidad. Y me gusta pensar que la obra puede ser un documento que tal vez en un tiempo determinado alguien lo revise y diga esto pasó también. Y parecería que es lo más cruel que la historia se repite, que la que las dinámicas de la humanidad no aprende, sino que son cíclicas y volvemos a repetir lo que sucede y lo que veíamos en los libros de historia parece que está sucediendo y tal vez peor, porque ahora hay otras maneras y otras tecnologías y otras maneras de entender. para bien y para generar también el mal. Y creo que los personajes que están en esta obra generan una reflexión muy profunda porque creo que muchas personas se van a identificar con él. Acabamos de estrenar oficialmente la obra en el Festival de Manizales de una manera muy conmovedora y el público genera una reflexión que, bueno, aquí se va a hacer el spoiler, es que el final de la obra, la última escena de la obra es un silencio que se mantiene a través de una partitura musical Y yo veo las obras no desde los actores, sino desde el público. Me gusta ver cómo la relación del público con el espectáculo. Y saber que la obra no solamente yo entiendo que el teatro también entretiene, también divierte y debe ser parte de eso el humor. Pero aquí genera una reflexión tan profunda que el espectador después del rato viene un aplauso que además se sostiene mucho y las personas no hablan. Pero lo que nos sucedió es que es como que yo intuyo que la gente llega a la casa o a cenar o algo y después la reflexión le queda y empiezan a escribirnos. Y es muy lindo ver en las redes sociales personas que después me mandan de manera privada, no lo hacen todo público. A mí me sentí reflejado en esto, me sentí reflejado en esto. Y creo que esa es la función del teatro. Es un reflejo de la vida a través de un filtro poético. Pero esa poesía en esta obra está netamente sostenida por cuatro actores porque en la obra no hay nada, es un espacio vacío y hay una única luz. No hay

escenografía. No hay

escenografía, la escenografía es una única luz además y un viaje sonoro muy importante, pero entonces logra un poder muy fuerte en el mensaje que

lleva. Jorge Hugo, ¿por qué no hablamos de esos 17 años de Maldita Vanidad? Porque muchos hemos crecido yendo a ese teatro, viendo las obras y vemos que las cosas... están increíblemente mejorando porque ya va a presentarse después de 17 años en una nueva casa

sí la maldita yo digo que es un milagro escénico desde muchos lados primero cuidado con esa palabra ay Dios mío pero existe por la voluntad de muchas personas que han creído en el proyecto y que a lo largo de estos 17 años hemos estado con más de 60 70 artistas que han entrado en nuestros montajes al día de hoy tenemos 26 espectáculos que hacen parte del repertorio Hemos sido una suerte también de suerte en muchas cosas porque cuando nació la compañía hicimos un espectáculo que se llama El Autor Intelectual que se sigue presentando y fue en la sala de mi casa y fue en una de esas funciones que unos programadores curadores alemanes quisieron dijeron aquí hay algo que queremos llevar allá y fue lo que sucedió afuera que hizo que repercutiera tan fuerte después adentro la maldita comenzó a hacer giras internacionales y la gente se preguntaba incluso aquí artistas quiénes son esos que dicen que ahora están en Francia en España en Grecia en muchos lados Entonces cogimos un poder y como un empoderamiento artístico primero afuera, pero que cuando llegamos acá con esos resultados, el público nos acogió y desde ese día hasta hoy la casa y nuestro proyecto goza con un público maravilloso y hay algo que está sucediendo y estamos creciendo. No tenemos canitas. Y en este cuento también hay un relevo de generación de espectadores. Están los groupies, por así decirlo, de la primera camada de la compañía. Sí, que son más viejitos. Sí, pero y que hoy en día están en muchos proyectos maravillosos que hacen parte de Colombia, pero que ahora hay otra nueva camada. Entonces la casa tiene una vitalidad muy propia, no solamente con las creaciones y las investigaciones que siempre nos gusta estar pensando en el ahora, sino también que es un espacio de encuentro. Yo creo mucho en el encuentro porque el espacio se ha convertido en un lugar donde el gremio y también los espectadores se reúnen cada noche después de sus funciones en diferentes salas de teatro para hablar del oficio, para tomarnos un trago y poder hablar también y discernir sobre los temas y en qué estamos y qué está hablando este director y qué está diciendo esta dramaturga y qué está sucediendo acá. Y lo más bonito, que creo yo que es muy valioso en la casa, es... El teatro colombiano tradicionalmente está enfocado en como en una gran cabeza, casi siempre masculina, que es como un padre de la escena, donde los demás están, donde los demás están alrededor, casi obedeciendo esto y la maldita tiene otras dinámicas dentro de la compañía. Ya cuando te hablaba de mi socia de la becerra, ahora también dirigen otros artistas de la compañía de actores que ahora también se lanzan a dirigir. Entonces ya no es el público que sigue las obras de Jorge, sino también las de él, a las de Fernando, las de Juan, o sea, de una cantidad de artistas alrededor que pueden desarrollar allí un espacio. Y lo otro es que pensamos en un teatro de autor, que gente que escribe y hace las obras. Hoy en día el término, esa diferenciación entre quién escribe y quién dirige y quién actúa, no pensamos en creadores escénicos y estos creadores escénicos funcionan. tienen un espacio donde pueden desarrollar su trabajo y ahora con una nueva sede que estamos inaugurando próximamente un teatro que mantiene las condiciones de teatro íntimo y pequeño pero yo creo que con todos los juguetes con todos los gallitos mejor dicho tenemos ahora un espacio que va a ser Que va a permitir que otros espectadores lleguen, personas con movilidad restringida puedan acceder a la casa, que tengan unas condiciones mucho más profesionales. Y eso es lo que buscamos, que el oficio que hagamos tenga un profesionalismo. Gracias a la ley del espectáculo. Gracias a la ley. Sí, así es. Y yo creo que hay una revolución en Colombia. Ojalá la

ministra la entienda y la maneja bien y no nos la quite. Yo creo

que es un beneficio inmenso para el sector y no solamente para el sector, sino también hasta para el mismo ministerio, porque los recursos son limitados y las infraestructuras que se están creando en Colombia son impresionantes y es a través de la ley que lo podemos hacer. Tiene un tema que hay que mirarlo y es... Es una tributación y esa tributación está ubicada en las ciudades grandes que generan ese tributo. Pero es necesario que también en otros lugares donde no tienen estos espectáculos que pasan de 120 mil para que no lo sepa. Es una tributa, es una, es una, es un impuesto que se cobra la boletería en Colombia. Exacto. que pasa de 100 mil, 110 mil pesos, hay un impuesto que se revierte al sector en infraestructura. La maldita ha logrado comprar su predio con esta ley, ahora transforma... Por cada

boleta que se compra, creo que es el... No sé, un porcentaje va... A las salas. Sí, exacto.

Esa

es la teoría sobre la cual se basa la ley del espectáculo. Como que

los grandes productores y los grandes espectáculos pueden financiar que salas pequeñas en Colombia puedan tener una infraestructura digna. Y eso es una transformación y es una posibilidad de trabajar mejor. Dan Harry, ¿usted

cree que uno puede seguir adelante? ¿Usted quiere hacer teatro? ¿Usted ha podido realizar esa... haciendo teatro en Colombia? Uno dice, bueno, ¿este país está ofreciendo esa posibilidad a personas jóvenes como usted?

Esa es una pregunta interesante. Yo creo que, digamos, desde mi experiencia personal, yo he podido vivir del teatro, digamos, como he podido tener la oportunidad, pero también, digamos, como yo soy muy consciente de que De que el hecho de que sea mi realidad no quiere decir que sea la realidad para todos, ¿no? Entonces yo, por ejemplo, siempre miro hacia Cali, ¿no? Pues porque es el lugar de donde vengo, miro hacia mis paisanos, las personas negras, los actores que vienen de las periferias del país, no solo del Pacífico, sino de la costa que conozco. Entonces también me parece importante, digamos que... Como decía ahorita Jorge, que también se pueda, ojalá, en algún momento descentralizar todo esto, que la cultura pueda ser mucho más constante y que sea un ingreso constante para las periferias del país, sobre todo. Porque acá en Bogotá, digamos que contamos con la fortuna de que hay una... una cultura teatral y una cultura del espectáculo donde la gente ve teatro martes, miércoles. No sucede lo mismo en Cali, por ejemplo, no sucede lo mismo. Uno puede hacer una obra

martes y miércoles, mira, ya te digo yo. Pero si es con salsa,

sí. Bueno, sí. Y con biche. Y con biche. Ya

te digo

yo. Ya te digo yo.

Que cada uno tiene su...

Pero sí, pero sí, digamos que... Yo soy muy feliz, yo soy muy feliz, quiero hacer... ¿Quieres hacer teatro también? Sí. ¿En Cali? En Cali, no, o sea, en donde sea, o sea, en todo el mundo. Yo quiero seguir haciendo teatro, audiovisual, también me fascina, cine, tele, sí. Yo quiero actuar, yo no tengo complique con... ¿Con el dispositivo? Por supuesto que sí, digamos que miro qué es lo que voy a hacer, más allá de un juicio de valor grandísimo, es como si estudio la humanidad que quiero buscar, que quiero explorar en lo que haga. Pero sí, quiero actuar teatro, me parece un entrenamiento delicioso. Y esta obra en específico

es... Sí, claro, esta es una obra muy interesante porque en medio de esta batalla cultural que se está planteando en el mundo y que nos llega también acá, yo creo que esta es una obra que precisamente muestra... Porque el poder de lo que es la cultura, y la cultura no puede ser una batalla, la cultura es esos grises, esas cosas que uno no entiende y que son complejas y que solo se descifran en el teatro y en las artes, las artes son complejas. Sí, yo creo que

en nuestro oficio tiene que tener la capacidad de generar reflexión. No queremos dar mensajes, no queremos adoctrinar. Por eso la batalla

cultural es medio, porque la batalla cultural es una imposición sobre un escenario que es la cultura y la cultura pues no es una batalla. Mira, el

arte por naturaleza es político. Pero abanderarnos o ponernos de un lado lo limita. Yo creo que lo que hace el arte es abrir las posibilidades a una sociedad para que piensen algo que no habían cuestionado, que no habían pensado y sobre eso que el espectador genere sus propias conclusiones. Me gusta pensarlo desde ahí.

Pero la batalla cultural que se impone como una bandera importante dentro de esferas muy importantes, de hecho aquí la estamos sintiendo también. Yo lo

pienso desde lo individual. Mi batalla cultural es vivir de mi oficio, de la manera como yo entiendo el oficio, pensando no solamente en los artistas, sino en los espectadores que tenemos. Lograr, por ejemplo, esos discursos de cosas como que si el artista vive del Estado. No, yo creo que no hay un artista en Colombia que viva del Estado. No existe ni ha existido que ha tenido apoyos, pero no es un apoyo. Es que hay una necesidad también del Estado porque necesitan apoyar la cultura, porque es parte de la bandera de una sociedad. Identificar no solo el folclor, sino los artistas contemporáneos que están pensando en el aquí y en el ahora de su sociedad y cómo desde su sociedad pueden buscar que otras culturas se entiendan. Cuando uno va a un festival internacional, cuando uno va a estos lugares donde ve artistas de todo el mundo más allá de un encuentro multicultural es ver qué le está pasando a esa sociedad a través de esa obra de arte en un contexto u otro y eso es muy valioso y es a lo que la maldita le apuesta y es a lo que los espectadores de la casa también buscan y por eso hemos peleado y ahí sí hemos hecho una batalla cultural de sostener un espacio de sostener un colectivo que aunque todo no es color de rosa y hemos tenido problemas económicos y problemas de muchos tipos queremos y sabemos que esto es lo que queremos

y

Hemos estudiado eso, nos hemos formado en eso. Yo soy resultado, yo vengo de dos universidades públicas, yo estudié mi pregrado en la Universidad de Antioquia como maestro en arte dramático e hice mi maestría en la Universidad del Valle, mi maestría en dirección escénica. O sea, usted viene de Antioquia y de Cali. Sí, la maestría de la Universidad del Valle la hice con Corte Bogotá. Pero yo soy producto de políticas públicas y ahora con esa transformación de la maldita vanidad también hemos aplicado esas políticas públicas. Entonces, tal vez ahora que tenemos lo que tenemos, otros nos pueden ver. Ustedes son unos unos privilegiados. No es que la hemos batallado 17 años, no solo formándonos, sino creando público, creando una economía sostenible también para el proyecto.

¿Usted

qué opina de la batalla cultural? No, yo creo que sí, yo creo que la batalla cultural sí debe ser personal, pero sobre todo creo que debe ser el momento para que nosotros, es decir, como que los espectáculos que nosotros hacemos se completan, cuando llegan al espectador, ¿no? Porque si todo lo que uno hace como artista, como actor, se completa cuando llega la gente. Ahí es que se crea el diálogo y la reflexión. Antes no. Entonces, digamos que la cultura se produce justamente cuando hay capacidad de reflexión entre las personas y creo que la reflexión no solamente debe quedarse en un pensamiento, sino que lleva a la acción. Y creo que, por ende, la cultura... debe ser justamente eso, como una ola que se va agrandando, porque es como cuando uno ve una ola. Una

ola de conversación y de diálogo. Exacto, una ola de conversación y de diálogo. Y no de confrontación. Yo pienso que esa, ojalá, digamos, este fantasma que se nos viene de la batalla cultural no nos permita seguir haciendo lo que ustedes están haciendo, porque siempre yo creo que la cultura es un espacio de reflexión. más que un espacio de disputa.

Y la batalla cultural no puede ser una pelea entre puntos. Exacto. La batalla cultural está también por permitir que una sociedad como la colombiana sane una cantidad de heridas que tiene a través de los años. La batalla cultural está en que los que no han tenido visibilidad puedan tenerlo, que los temas que no hemos tocado puedan tenerlo y que esos temas no solamente lleguen a una élite, sino que pueda cubrir un territorio que es bastante grande y con bastantes necesidades culturales.

Después de estos 17 años, ¿cuáles son los proyectos y todo lo que va a pasar en octubre? ¿Qué va a pasar en la? Pues yo

creo que nos viene una época muy bella porque primero, pues con esta infraestructura nueva podemos brindar mejores opciones. Vamos a quedar con dos salas de pequeño formato en las cuales vamos a traer también la posibilidad de que otros artistas lleguen. La maldita cree mucho en los jóvenes. Le apostamos a nuevos creadores, a nuevas personas que están en la escena. Obviamente también el privilegio de que nuestra compañía tenga un escenario permanente. Pero seguir creando creo que es lo que buscamos y poder seguir llevando nuestro trabajo a otras latitudes es fundamental que tiendan a través de lo que hacemos nuestra cultura, como lo hemos hecho desde el nacimiento de la maldita y que tenga una visibilidad y una vitalidad que se mantenga y que siga creciendo a través de los años. ¿Usted sabe por qué se llama

Maldita Vanidad? Sí, yo le he preguntado. Yo siempre le digo, yo le voy a preguntar. Pero que lo cuente, que lo cuente. Yo tenía entre dos nombres.

Se iba a llamar o la Maldita Vanidad o la Sociedad del Mutuo Elogio. Y aplicamos a la Maldita Vanidad. Mira, yo fui durante ocho años asistente de dirección en el Teatro Nacional. Y estuve detrás bambalinas durante todo ese tiempo viendo proyectos de directores, directoras, a Fanny y a muchos artistas pasar por esos montajes. Tuve la posibilidad de estar con directores de muchos lugares y yo siempre veía que aunque las propuestas eran potentes y eran muy buenas, muchos de ellos en su desarrollo los dañaba la vanidad. y esa vanidad hacía que el ego alterara la posibilidad creativa de los espectáculos. Fue a tal grado que cuando salí de allí, y les agradezco profundamente a ellos, además sigo trabajando con ellos en muchos proyectos a lo largo de estos años, por todo un ejemplo, yo hice un Hamlet que lo protagonizaba Robinson Díaz, yo era la asistente de dirección, el director era Martín Acosta, un mexicano, y Alejandro Luna, el papá de Diego Luna, y yo veía que nos pasábamos... horas y días hablando de producción, pero nadie hablaba en su momento de qué vamos a hacer a nivel actoral o la esencia, el sustrato que yo necesitaba allí. Cuando nace la maldita, yo no quería tener un bombillo, yo no quería tener una luz técnica, yo no quería tener nada, sino que era la sala de mi casa natural como era. Y eso se volvió un lenguaje. Y a lo largo de los años, aunque sí hemos llegado a la técnica y hemos buscado escenarios convencionales, el sello de la maldita ha sido en que la precariedad la hemos vuelto concepto. que no se trata de que no haya recursos, sino que con lo que hay creativamente, eso como se potencia y se vuelve el

lenguaje.

Entonces yo creo que la maldita es un ejemplo también de que yo no necesito tener las condiciones óptimas para crear. Si uno cree, si uno quiere crear, busca esas condiciones.

Por eso se llama la maldita

vanidad. Así es. Buenísimo, ¿no?

Usted también le preguntó. Yo le pregunté, claro, yo tengo prejuicio porque se llama

la maldita, obviamente.

Bueno, yo creo que lo que hay que hacer es ir a ver esta obra con este nombre. Sin Éctoque. Sin Éctoque, la primera de una serie.

Son varias entregas a través de figuras retóricas. Después vamos a tener Hiperbole. y anáfora que también son términos que se utilizan en la literatura y yo los llevo al teatro entonces digamos que ese concepto aunque parece muy elaborado se vuelve muy básico y fácil de digerir viendo los espectáculos porque es un espectáculo para cualquier tipo de público y eso es muy bueno

pues va a estar esta obra que les recomiendo desde ya desde el 22 de octubre en el nuevo teatro de la maldita vanidad que ya sabemos por qué se puso su nombre aquí el director

así es así es y hasta cuándo va a estar Yo creo que hasta donde el público llegue.

A nosotros

nos gusta mantener las obras vivas, no nos gusta solamente estrenar, sino que se mantengan y como nuestros aforos son de 50, 60 espectadores que son pequeños, pues la idea es que pueda abarcar mucho tiempo y que la obra pueda estar presentándose a lo largo.

Bueno, y yo creo que con su creol ya pasa derecho a ser una, puede representar a cualquier

haitiano. Sí,

ojalá.

Pues me hablaba con Wendley, que es el que me ayuda, y tuve la fortuna de que fue a una función, una persona que hablaba creol. Entonces, bueno, sin hacer spoiler, pero en un momento él me dice, fíjate que yo te entendí, me di cuenta de qué es lo que tú hiciste.

No, tiene buen acento.

Sí, sí, sí, pues le hice el ejercicio.

Muy bien, impresionante. Es realmente su actuación. Felicito. Y a ustedes hay que ir a la maldita vanidad desde el 22 de octubre. A Fondo es un podcast producido por Mafialand.

Producción general

Beatriz Acevedo. Producción de audio, Santiago Acosta López. Música original del maestro Oscar Acevedo. Nos pueden escuchar también en mi canal de YouTube. Gracias por escuchar. Soy María Jimena Duzano.

¡Gracias!